5 Künstler auf unserem Radar im Juni 2023

„Artists on Our Radar“ ist eine monatliche Serie, die vom Artsy-Team produziert wird. Mithilfe unserer Kunstkompetenz und unseres Zugriffs auf Artsy-Daten heben wir fünf Künstler hervor, die unsere Aufmerksamkeit erregen. Um unsere Auswahl zu treffen, haben wir ermittelt, welche Künstler im vergangenen Monat durch neue Galerievertretungen, Ausstellungen, Auktionen, Kunstmessen oder neue Werke auf Artsy Eindruck gemacht haben.

Künstler schaffen seit langem Bedeutung durch Wiederholung und entwickeln neue Ideen, indem sie ein einzelnes Thema wiederholen. Für Monet waren es Heuhaufen; für Warhol, Suppendosen. Im Werk des australisch-amerikanischen Malers Seth Birchall erfahren Baumzweige die gleiche Behandlung. In Landcare (2023) beispielsweise rahmen zwei Weidenstämme am Ufer eines Gewässers eine lebendige untergehende Sonne ein, während Memory Leaves Trails, Patterns, Edges, Walls, Bottoms and Chasms (2023) das gleiche gestische, federleichte Öl verwendet Technik zur Darstellung der Krone einer Palme in Sonnenuntergangsrosa und -orangen.

Beide Werke sind Teil von Birchalls jüngster Einzelausstellung bei Sullivan + Strumpf in Melbourne, die bis zum 10. Juni zu sehen ist. Die Ausstellung mit dem Titel „Der Mond unter Wasser“ deutet auch auf ein weiteres wiederkehrendes Motiv im Werk des Künstlers hin: den aufgehenden Mond. Auf dem Gemälde, nach dem die Ausstellung benannt ist, ragen Birchalls charakteristische Äste vor einen entwaffnend blauen Himmel, an dem der helle Mond hängt und dessen Spiegelung im Wasser darunter für ein visuelles Echo sorgt. Birchalls emotional aufgeladene Gemälde scheinen Nostalgie für die flüchtigen Momente der Schönheit zu wecken, die sie darstellen – erhabene Beispiele der Verbindung mit der Natur.

Birchall hat einen BA der National Art School in Sydney und einen MFA der University of New South Wales. Er arbeitet hauptsächlich in Sydney, wo er unter anderem Einzelausstellungen in der Verge Gallery und der Artereal Gallery veranstaltet hat und 2020 eine Atelierresidenz bei Artspace erhielt.

–Josie Thaddeus-Johns

Darin Cooper wurde in Virginia geboren und wuchs dort auf. Er arbeitet in verschiedenen Medien, darunter Malerei, Druckgrafik, Fotografie und Skulptur. Dieser Frühling war besonders fruchtbar für den jungen Künstler, der kurz nach der Eröffnung seiner ersten Einzelausstellung „AIN'T NO PLACE LIKE HOME“ bei James Fuentes seinen BFA an der New Yorker School of Visual Arts abschloss.

Coopers Arbeit wird von Künstlern wie Jack Whitten, Radcliffe Bailey und Sam Gilliam beeinflusst und konzentriert sich auf Themen, die aus seiner Kindheit stammen. „Ich möchte eine modernere Version der schwarzen Südstaatenkultur zeigen“, sagte er. Bei James Fuentes präsentierte Cooper lyrisch abstrakte Werke, die auf Themen wie Spiritualität, Sport, Grillabende, Hip-Hop und mehr anspielten. In „Ghost Rider“ (2023) zum Beispiel vertieft sich der Künstler in seine Erinnerungen daran, wie er als Jugendlicher zu Automessen mitgenommen wurde, indem er eine Radkappe mit bemaltem Voile drapiert, auf dem ein Siebdruckbild des Rappers Mike Jones zu sehen ist. Formal bezieht sich die Arbeit auf die skulpturalen Gemälde von Sam Gilliam, während der Titel an ein Lied des Rappers E-40 erinnert.

Cooper arbeitet hauptsächlich mit Acrylfarben und hat eine aquarellähnliche Ästhetik entwickelt, indem er Reinigungsalkohol verwendet, um Teile des Pigments aufzulösen. Diese Technik führt zu einer geschichteten Farbglasur, die verschiedene Schattierungen umfasst und sich aktiv mit Konzepten von Erinnerung und Löschung beschäftigt. Diese Grundlagen werden dann collagiert, wodurch die traditionelle Acrylmalerei durch einen Mixed-Media-Ansatz neu interpretiert wird.

Cooper war 2022 Stipendiat am Mazedonien-Institut in Chatham, New York, und hat an einer Reihe von Gruppenausstellungen in renommierten Galerien wie der Swivel Gallery in New York, Bode Projects in Berlin und Andrea Festa Fine Art in Rom teilgenommen. Letztes Jahr wurde er in einer Online-Einzelausstellung präsentiert, die von UTA Artists Space veranstaltet wurde.

–Arun Kakar

Grace Lees seltsame Gemälde strahlen sowohl Launen als auch Geheimnisse aus. Die Themen des in London lebenden Künstlers sind breit gefächert, obwohl sich einige Motive durch ihr Werk ziehen: Tiere, oft in absurden oder übertriebenen Haltungen; Musikinstrumente; Sterne. Was auch immer das Thema ist, Lee – sowohl Animator als auch Maler – bevorzugt fokussierte, kurzgeschnittene Kompositionen, die den Kontext verschleiern, und gibt visuell eindrucksvollen Schnappschüssen Vorrang vor identifizierbaren Erzählungen. Praised and Confused (2023) ist typisch für ihren verspielten, schwer fassbaren Stil (einschließlich ihrer Vorliebe für Wortspiele): In düsteren Brauntönen zeigt es eine Person von den Augenbrauen aufwärts, deren Kopfhaut Ringe aus Sternen umkreisen, wie eine Zeichentrickfigur, die sich den Kopf geschlagen hat .

„Praised and Confused“ gehörte zu der Auswahl von Lees Gemälden, die Huxley-Parlour letzten Monat auf der Future Fair zeigte. Diese Werke sind nicht größer als 20 x 25 cm und nutzen den Maßstab, um kleine Motive – darunter Vögel, Bienen und Hände – widerzuspiegeln und ein Gefühl von Kostbarkeit zu erzeugen. Huxley-Parlour hat Lee auch in eine neue Gruppenausstellung mit dem Titel „On Longing, (Or ​​Modern Objects Volume II)“ einbezogen, die bis zum 8. Juli in der Londoner Galerie zu sehen ist.

Lee erhielt ihren BA in Bildender Kunst von der Goldsmiths University of London und schloss anschließend einen MFA an der Slade School of Fine Art ab. Sie haben an zahlreichen Gruppenausstellungen im Vereinigten Königreich teilgenommen, unter anderem an der South Parade, und waren kürzlich in „Wer weiß, was die Erde vor der Liebe war“, einer Online-Ausstellung von Andrea Festa Fine Art, zu sehen.

–Olivia Horn

Libby Rosens erste Einzelausstellung fand diesen Frühling in der Night Gallery statt, obwohl es nicht gerade das Debüt einer neuen Künstlerin war. Tatsächlich ist Libby Rosen ein Spitzname für das Gemeinschaftsprojekt zweier angesehener Künstler: Anne Libby und Anna Rosen. Das Paar, das jeweils von der Night Gallery vertreten wird, ist seit Anfang der 2010er Jahre befreundet, als beide in New York lebten. Ihre Zusammenarbeit begann erst 2021, als sie im selben Studiogebäude in Los Angeles zu arbeiten begannen und sich so besser mit den Praktiken des anderen vertraut machten.

Die gemeinsame Ausstellung mit dem Titel „Rib Erosion“ (ein lockeres Durcheinander der Buchstaben in ihren Namen) zeigte üppige gesteppte Arbeiten aus Satin, die mit wirbelnden Farben gebeizt waren und auf geschickte Weise den unverwechselbaren Stil jedes Künstlers hervorriefen. Die atemberaubenden, kollaborativen Kreationen sind ähnlich strukturiert wie die kunstvoll gesteppten, an der Wand hängenden Textilien, die einen wichtigen Teil von Libbys bildhauerischer Praxis bilden, sind jedoch von der farbgetränkten Marmorierung und Pinselführung durchdrungen, die auf Rosens Gemälden, Textilien und Arbeiten zu finden ist Papier.

Die Künstler verzichteten auf einen konzeptionellen Ansatz und entwickelten diese Arbeit durch Prozesse, Verspieltheit und eine Art Call-and-Response. Sie reagieren auf die Arbeit des anderen und bringen gleichzeitig ihr eigenes Fachwissen und Interesse an traditionellen Handwerkstechniken ein: Libby übernimmt das Quilten und integriert Rosens bemalte Textilien, die mit einer von der türkischen Ebru-Malerei inspirierten Technik hergestellt werden.

Libby und Rosen hatten in den letzten Jahren jeweils ihre eigenen Einzelausstellungen in der Night Gallery – Libby im Jahr 2021 und Rosen im Jahr 2020.

– Casey Lesser

Die Figuren in Brett Charles Seilers Gemälden sind in mehr als einer Hinsicht reduziert. Sparsame Pinselstriche, eine zurückhaltende Farbpalette und ein leerer Gesichtsausdruck haben sie beinahe von der Erotik befreit; Übrig bleiben zärtliche, ruhige Szenen männlicher Intimität.

Seilers jüngste Einzelausstellung bei Everard Read in London trug den Titel „Luke, Warm“, ein sanft evokatives Wortspiel, das an das Gemälde „Cold Bath“ (2023) erinnern oder vielleicht auf die laue Natur der Häuslichkeit verweisen könnte. Doch das Komma, das das Wort verbindet, deutet auf ein Individuum und die körperliche und emotionale Wärme seiner Liebe hin.

Erfahrungen von Queerness und Männlichkeit – manchmal isolierend, manchmal intim – stehen im Mittelpunkt von Seilers Werk. In „Living Room“ und „Living with Myself“ (beide 2023) scheinen sich die Figuren des Blicks des Betrachters nicht bewusst zu sein. Nackt zwischen Zimmerpflanzen und Möbeln eingefangen, scheinen sie sich in ihrer Umgebung zu Hause zu fühlen. Doch ein Gefühl des Unbehagens bleibt bestehen: In „Living Room“ kehrt eine Figur der anderen den Rücken zu, während der Titel „Living with Myself“ Schamgefühle suggeriert. Andere Werke sind einfache Porträts, die auch so betitelt sind (Portrait 33 oder Portrait 34, beide 2023). Schauen ihre Motive intensiv auf den Betrachter zurück oder starren sie in die Ferne, gefangen in ihren eigenen Welten?

Seiler schloss 2015 sein Studium an der Ruth Prowse School of Art in Kapstadt ab. Er hatte kürzlich Einzelausstellungen bei M+B in Los Angeles und der Galerie Eigen + Art in Berlin und war in Gruppenausstellungen in Kapstadt und anderswo zu sehen.

– Isobelle Boltt